定义大卫·芬奇电影风格的7个元素丨大师方法论

2020-10-24 14:22 发布

幕后 | 导演制片

我的拍摄哲学是先拍七条，接下来才正式开始。

——大卫·芬奇

你需要挖空心思，不惜代价地达成一件事，让每一位观众都能感受到影片情感的起伏律动，这便是电影的魔力。而这些出神入化的技巧组合创造出了这些令人难忘的惊人之作。

为了获得浸入式的影片体验效果，大卫·芬奇可谓穷尽心思，他电影世界里的每一个细节都经过了反复推敲，下面来讲述大卫·芬奇抓住你眼球的7个关键元素，让你明白每一个细微的选择将如何左右影片最终的呈现，让我们来解析大卫·芬奇的电影语言吧。

叙事

芬奇的秘诀是欺骗，而这个欺骗有多深，对观众的效果如何，《搏击俱乐部》的主角骗术太高明了，他完完全全把自己骗了进去，在《纸牌屋》中，我们真的见证了弗兰克·恩德伍德一步步获取权力的过程吗，又或者我们其实也不过是受害人。

《消失的爱人》是各执一词叙事手法的卓越范例，让我们在谎言和欺骗的汪洋中困惑仿徨，人性的阴暗面是芬奇的电影必不可少的部分，有时黑暗的一面会获胜。

美术设计

美术设计和电影的观感息息相关，鲜少有电影能在画面上超越芬奇的影片，取景、服装、道具，有传言称他对细节的追求堪称偏执。

举个例子，《搏击俱乐部》讲述的是一个对生活现状感到不满的男人，和来自一个打破一切截然不同的生活状态的诱惑，芬奇用布景完美体现了这两个截然不同的世界观，看着主角这毫无生气、千篇一律的屋子和他的办公室。接着主角遇到了泰勒·德顿，他痛苦的解药，泰勒早已逃出循规蹈矩的监牢，张开双臂迎接纯粹的个人自由。

这无法无天的精神于泰勒在佩铂街上怕破旧废弃的房屋中有所体现，这个地方破败不堪，墙皮不断剥落，天花板漏水，再来水带锈，这距离主角以为自己想要的典型宜家生活差了十万八千里，一个迎接新生的完美地点。

记住，角色是由环境塑造的，芬奇和他的艺术部门对此事事无巨细。

配色

大卫·芬奇并不喜欢在他的作品中加入太多颜色，场景的颜色被有意地调整为和服装相似的颜色，要么是绿的要么是蓝的要么是红的，但毫无疑问，芬奇最钟爱的颜色是黄色。

他拍夜间内景时使用黄色光的案例有很多，事实上，芬奇的这个手法太过常用以至于当他真的使用了对比色时，效果拔群，这么做往往是有特殊含义的。

来看看《消失的爱人》中这个场景，注意看这里的配色是怎么吸引我们的视线和注意力的，所有人都在盯着尼克，艾米的父母身着颜色和背景相似的棕色和中性色衣服。

艾米的父母代表着统一战线致力于寻找他们的女儿，尼克的蓝色衬衣在人群中显得十分突兀，这使得他立马嫌疑上身。尼克从视觉上和立场上与艾米父母都是背离的，他孤身一人被视为首要嫌疑人。

摄影

芬奇的许多叙事都通过镜头语言来展现，透过栅栏变换焦点来比喻片中角色的发现，他更愿意让角色在较宽的画幅中表演，只有在必要的时候才会切到近景和特写。

芬奇不怎么喜欢移动镜头，但是一旦用上就一定是有目的的，这里的小小的平移镜头，这里一个非常轻微的俯仰镜头，这么做都是为了把观众带入角色，角色动，镜头才动，但他对镜头的掌控力远不止如此，芬奇是如何通过移动镜头的方式暗示角色的心理状态的呢。

在《战栗空间》中，有这样两个镜头描绘了一种十分特别的心境，幽闭恐惧症。在稍早一些的场景中，梅格正在参观新房，当房产中介向他们展示避难室的时候，并且关上了房门，我们在此时了解到梅格对紧凑空间的恐惧，摄像机平移的同时焦距拉长，压缩了空间感，你似乎能感受到房间里的空气被抽走了一般。

在影片结尾处有一个与其呼应的反转镜头，梅格和他的女儿在恐怖的入室抢劫中活了下来，他们远离了恐怖的避难室和那栋大别墅，此处运用了滑动变焦，摄像机向前移动的同时焦距拉广，人物在画面中的大小不变，但她们周边的世界逐渐展开，所有的紧张情绪和幽闭恐惧症于此平息，画面拥有了呼吸感。

此处的效果非常微妙，但寓意深长。芬奇经常运用镜头的运动来将观众代入到角色的内心活动中，他的镜头运动要么十分微妙，要么和角色的行为幅度一样大。

剪辑

芬奇在剪辑时十分注重观众的视角，若电影中的角色注意到什么，我们作为观众也可以看到，当角色在脑海中有所联想时，我们也能通过其中有意的构图和剪辑跟上角色的思路。

这里有个很好的例子，关于如何运用构图，调度和剪辑的组合构筑场景，亚瑟·李·艾伦是十二宫杀手的嫌疑人，当他被带到一个房间问话的时候，这场戏围绕着警探们对艾伦的怀疑展开，他是这场戏的焦点。

这场戏以艾伦走过房间时所看到的一个主观镜头开场，当这位嫌疑犯坐下时，他们的位置经过了精心的设计，分别在这两处设置了相对的对戏位置，这场戏从各种不同的视角进行了剪辑，视角随着说话和倾听者的变换而变换。

当艾伦翘起二郎腿时，影片切到一个低角度仰拍镜头，在这一帧里我们可以看到穆仑·尼克警官注意到了他穿的靴子，我们知道十二宫杀手穿的靴子是什么样的，所以当警官注意到靴子的时候，我们也跟着注意到了它。

同样的，当塔斯基警官注意到艾伦的十二宫手表时，镜头切到近景，用以展现塔斯基的注意力被艾伦的手表所吸引，之后立即切到了一个看手表的主观镜头，我们又一次通过警官的眼睛看到这些事物。

这种手法能激发我们的想象空间，我们变成了片中的警探。这里给出了几个镜头的快速剪辑，这几个镜头创造出强有力的逻辑控制力，能让观众保持高度的注意力，并推动情节发展。

声音设计

在这方面芬奇不会过度加工，除了必要的关门声和走路声之外，芬奇会精心把握需要特别的声效表现的时刻。

《战栗空间》中这场戏是个很好的例子，梅格趁入侵者被分散注意力时冒险去拿电话，整个场景的气氛被抽象，延迟，低沉的音效推向了紧张的极点。

《搏击俱乐部》中主角初见玛拉·辛格时，他的生活被这个不速之客扰乱了，当他试图听清互助团发言时，他听到一声响亮的咔哒声，当玛拉点燃打火机的时候，我们听到如同喷火器般夸张的音效，玛拉成了主角生活中的一个威胁，她是个入侵者，而我们能从音效设计中体会到这一点。

或许芬奇表现力最强的声音设计是《消失的爱人》，当艾米和戴西大战的时候，开场是一段缓慢的脉冲音效，视听的结合就如同在模拟他的感受一般，每一轮脉冲如同带血心脏的跳动，当血快流尽时声音节奏也随之缓慢。芬奇巧妙地用声音让观众代入角色的感受，如果你想像大卫·芬奇一样进行声音设计，就请牢记这些策略。

音乐

音乐是芬奇会有意使用的另一元素，选取要么呼应主题，要么具有讽刺意味，讽刺的代表有《十二宫》中多诺万的《摇手风琴的人》，或是虐待戏中恩雅的娴静而天真的《奥里诺科河》，但他也会选用和电影主题相佐的有歌词的曲目。

来欣赏下这场用音乐来彰显人物个性和影片主题的场景。《社交网络》中的亨利皇家赛艇赛，这一组镜头在芬奇的作品中独树一帜，因为它是完全围绕着音乐打造的，这个例子中的选曲是爱德华·格里格的《在山魔的大厅》。

这首经典的曲目诞生于1875年，与诞生于1839年的赛艇悠久的历史相辅相成，但这一场景的背景设定发生在21世纪10年代中期，此时人类已经接触到了科技世界，作曲家特伦特·雷泽那和阿提卡斯·罗斯保留了经典的元素，同时融入了原声乐器和电子乐器进行二次创作。

这首曲子是新与旧，经典与现代的碰撞，用于表明文科沃斯兄弟的上流身份和他们争强好胜的性格，但文科沃斯兄弟输掉了比赛，正如同他们输掉了同扎克伯格的官司。

大卫·芬奇对他的作品有绝对的控制力，他明白该如何运镜和剪辑才能在情感层面激发观众，能从芬奇身上学到的还有很多，而我们在文章中所谈及的只不过是开了个头。

来源：弧光电影艺术中心（arcatfilmschool）

声明：转载此文是出于传递更多信息之目的。若有来源标注错误或侵犯了您的合法权益，请作者持权属证明与本网联系，我们将及时更正、删除，谢谢。

文/电影专家来源/弧光电影艺术中心

原文：https://mp.weixin.qq.com/s/vv3aqiQXzCnvRM8b4bi-yA

内容由作者原创，转载请注明来源，附以原文链接

https://open.6pian.cn/news/7991.html

表情

添加图片

发表评论

全部评论

影视行业观察

北京市 / 自媒体

影视行业一手快讯、观察整合，给你新鲜好看。

推荐文章更多+

关注我们