色彩是摄影情绪之源，怎样学习摄影的色彩

开篇言： 颜色也是有重量的，他可以压的人透不过气来，也可以给人轻松愉悦的感觉；颜色更是有生命的，他用斑驳和褪色静悄悄告诉你时光的流逝。谈摄影学习，技术流的认知大都集中在数据理论或者器材操控上。我想这是不够的，摄影对普通人而言，并不是去研习技术参数理论，更不是去攀比炫耀，而是真真实实记录自己的情绪与情感。这种记录可能在不经意间，它悄悄然浸透了每一个摄影者曾经读过的书，听过的音乐，爱过的人。下面我会陆续从东方古老哲学，美学的角度去谈谈如何学习摄影的思路与方法。

说明：后期把红色墙面饱和度稍微降了一点点，我认为这样才更加真实。故宫这六百年来如果不曾翻新过，她本来就应该有了岁月的痕迹，那才是她本来的样子。

构图中最重要的结构是色彩

现在无论是教材还是网络上的教程，谈构图最多的是谈线条，元素的取舍，再或者更多的是谈减法，就是要拍摄者减去主题以外的东西，尽可能减到最少。这个在构图法则中并没有错，但我个人理解，少了一个最重要的东西 --“色彩构图”。换句话说，我认为“色彩”也是有质量的，有重量的，不是视觉虚构的，它是确确实实存在的物质元素。

“色彩”比一切物质先入眼，先有色，再有形。所以，避开色彩谈构图取舍是不全面的，也是没有道理的。我常常给很多初学者的建议是先不要纠结曝光等技术问题，纠结一年半载，越发限于技术流参数的漩涡不可自拔，片子没见进步多少，却满脑子理论，还是拍不出让自己赏心悦目的照片。 认识“色彩”是构图中最重要的部分，是感性摄影学习中很重要的一课，也是第一课。摄影艺术本来就是感性占据了多数的，是观照内心的艺术。它和弹琴绘画一样，先取悦自己，而后取悦别人。你不需要让全世界都认可你的照片，能有一部分人喜欢你，就很不错了，要客观承认这是个多元素的世界，不能搞一言堂，不能搞主观霸权主义。

色彩取舍是构图第一堂必修课

谈到色彩，无论是摄影还是绘画，都是回避不了的话题。 这个话题很大，现在有门学科叫“色彩学”，当然，不能指望每个人都去读读色彩学，但有大概的了解却是在摄影学习中怎么也绕不开的门槛。很多照片的杂乱，其实是色彩杂乱，搭配组合不当造成的。我举个例子来说明这个问题。

说明：如上图一样，我尝试调整两种色彩的模式，第一张图是把白平衡偏冷，拍出来，背景多了蓝色的感觉。 第二张图，把背景色彩索性去掉，只保留桃花本来的颜色。 我个人的审美系统里更加喜欢黑白背景感觉的桃花，因为没有了背景杂色的干扰，使桃花更加突出，从而进一步突出了桃花的颜色和枝干的沧桑，说的通俗点，让本来普通的桃花多了几分仙风道骨之气，这就是色彩取舍之后传递的一种情绪与感受。 当然，我并不是在说一定把背景都处理成黑白，很多人爱走极端，这里还是要解释下的，我只是用这个例子说明色彩组合问题给人带来感受的直观改变。

所以，我个人谈构图修炼，总是认为色彩的构图取舍是构图的第一课，色彩的取舍问题处理不好，还是无法回避构图的本质问题。我总是建议初学者，空闲之余可以看看更多的好作品，这里包含绘画的，摄影的，不用区分太开。从美学养成的角度，无论绘画还是摄影，它的终极目的都是提高个人的艺术修养。

说明：把地面颜色稍稍加了一点点暖色调，为了看着不那么苍凉。苍穹之上的顶盖已经给人以厚重感与压抑感，一点点暖色系，可以缓解这样的压抑。

色彩对画面与人情绪的影响
巧妙利用色彩的浓与淡，亮与暗，在不改变色彩色系的情况下可以表达出不同的情绪。学过色彩学的朋友一定知道，不同的色彩对人的感官刺激是不同的。掌握一定的色彩与情绪知识，对摄影构图取舍是很有帮助的。

例如：红色是一种比较刺激的颜色，可以带给人热情感，但却不能过多，因为红色相对给人的刺激较大，多了会让人觉得头晕目眩。所以红色比较难以和其他颜色搭配，搭配不好，就会撞色显得杂乱。黑色具有镇静，安定的作用，但黑色太多，容易给人沉闷压抑感。蓝色令人想的很多，给人精神上的思想感。这就是你拍了一张遥远的蓝天，几朵白云，却给了人无限遐想的生理原因。色彩对人情绪的影响不仅仅是心理学上的理论，还有视觉上直观的感受。现代科学界经研究发现，人的脑电波在不同光线下会有不同的变化，比如在红光照射下，人的听觉下降，握力增加。同一物体在红光下比蓝光下看着显得更大。

说明：把黄色的琉璃瓦同样降了一些饱和度，衬托乌鸦的压抑感。因为故宫虽然是华丽的，却也是凄凉的。

色彩的有序组合即是理性的知识，也是感性的美学养成。很多影友学习摄影，学习艺术，我个人认为理性的成分太多了点。艺术世界的东西并不是用什么参数，理论数据可以说清楚的东西。就像站在宇宙观去谈对这个世界的认知，浩瀚宇宙本身就是虚实相间构成的世界，既有理性认知，也有感性感受，缺一不可。 所以在拍摄与后期过程中，合理的组合颜色，搭配，什么颜色要淡化，什么颜色要舍掉，什么颜色要回避，这是构图学中很重要的一课。

说明：逆光选择拍摄了这个角度，还是降低了饱和度，雕栏玉砌应犹在，只是朱颜改。这里连朱颜都不存在了，所以降低色彩也是为了衬托凄凉感。故宫在我眼里从来没有那么让人羡慕，不管过去和现在，有道是无情最是帝王家。

慢慢养成色彩的取舍之道

谈到最后，很多影友会说，你来点实在的，直接告诉我该怎样应用色彩。说实话，这个问题我还是没法给出直接的答案。这个问题就和直接问，拍日出用什么参数，拍下雪用什么参数一样，都是法无定法，必须根据当时环境物体取舍而选择的。如果能给出具体的数据理论，那就不需要人去摄影，发明一个智能相机编程模式即可。人与机器最大的不同是人可以根据环境、光线、情绪起伏而改变，每一张照片背后都是一个活生生的人，而不是一堆数据。我还是再次建议广大初学摄影的朋友们不要急于求成。回顾一下自己玩摄影的初衷，大部分人归根到底只是为了记录生活，为了拍出美美的照片。摄影艺术同其他艺术形式，如书法、绘画、音乐一样，都需要漫长的学习积累过程。很多人能接受书法绘画之类的艺术需要基本功，需要修炼，为什么换到摄影就认为这是可以速成的艺术呢？ 以为它只是咔嚓一下按快门那么简单？ 其实往往越是看着最简单的东西越是最难的，你看二胡这个乐器，只有两根弦，看着很简单，却是民乐中最难学的乐器之一。

说明：逆光拍摄偶然得的一个大大光晕，把周围压暗了一点点，为了让周围有点色彩，衬托这个鲜亮却惨白的光环。

我写了这么多，最大的目的是给大家一些启发，至于怎么修炼，一是看个人综合文化审美修养；二是靠长期坚持不懈的学习积累。这个时代虽然都在拼速成，但我个人仍然坚持速成的东西基本都不是什么可以长久存在的。好东西都是需要沉淀，积累，养成的。我能给出的建议就是多看美术方面的书籍，空闲学点绘画的基础，不一定要画的多好，而是感受那个过程，绘画与摄影本质上是一样的，只是一个快门，一个画笔，心灵却是相通的。这个时代虽然物化的越来越厉害，但我想唯有精神才能长期存在吧。任何物质世界的东西从佛学的角度去看都存在：“成、住、坏、空”四个阶段，即一个世界之成立、持续、破坏，又转变为另一个世界之成立、持续、破坏，也称四劫。所以你拿的相机有多厉害，镜头有多贵重，和你的文化美学修养又有什么关系呢？

相对故宫的华丽与威严，我更爱江南的园林，虽然这里也是红色的房子，但它是温暖的，让人觉得舒服的。这就涉及了线条的布局与材质的选择，下次分享“质”的元素给摄影作品带来的“氛围”问题。

总结：以前不止一次老调重谈过，摄影是理性与感性并存的艺术体系，甚至觉得感性更多一点。把摄影当作参数教条主义的学习是件枯燥与悲哀的事情。如果没有美的陶醉与享受，如果没有情感的融合与修炼，即使技术再好，拍出的片子也只能在炫耀之后沉寂。这是个全民摄影的时代，走了旧人，来了新人，庆幸的是每一批来过的人中总有可以长久的留下来，与时光为伴，与四季为邻，不紧不慢的走着，拍着，看着。愿带着相机与美同行，与四季轮转为伴。