专访《泰囧》摄影师宋晓飞——喜剧摄影中的真实感

宋晓飞 摄影指导北京电影学院电影摄影专业毕业。
主要摄影作品：《双食记》《斗牛》《星海》《杀生》《人再囧途之泰囧》
凭借《斗牛》《杀生》分获第46届、第49届金马奖“最佳摄影奖”提名。

采访人：宋小白 阿童木 ；编辑：阿童木
以下为访谈完整文字版：

喜剧的真实感比表现性重要
当时正好我刚拍完《杀生》，《杀生》这个电影比较沉重，所以整个过程包括拍完这个电影心情一直都不太好。然后跟徐峥导演约了见面，他说有这样的一个电影，在饭桌上他给我讲了一遍，他讲的时候我已经特别开心了，我知道这一定会是一个充满快乐的电影。那个时候，其实我也需要有这么一部电影，能让自己整个开心一点，所以我就跟导演说，我说你这个电影我一定要去拍。

拍这个电影有很多设想，毕竟我没有拍过喜剧，可能第一部完全的喜剧风格电影，因为我自己属于摄影风格那种比较强的，表现主义比较强的那种感觉。这个电影从开始我就要求自己，一定要克制，要克制它的那个表现性的东西，要突出它的真实感。因为这件事情，是两个人，非常真实的走过这一段旅途，只有让观众相信它是真实的，它会更有价值，所以真实感要显得要比表现主义要重要得多。看完本子以后，更坚定了这个想法。纪录这件事情比表现重要。

正因为从开始想好了就好办了，就怕是开始有点犹豫，要拍着去找那个视频拍摄方向，你就会发现很痛苦。这个是我一决定跟他们一起去拍这个喜剧，就我把自己风格很强的东西已经放下了，就是打算去高高兴兴去拍一个喜剧，给大家讲一个喜剧故事。

“张扬”与“节制”之间的把握
但其实“节制”对我来讲是挺困难的，因为张扬这件事情，可以非常努力的去做，我只要跟自己挑战就行，你下意识的会把这个画面拍得夸张，或者非常表现，又或者你把一些你个人的情绪加进去。因为这个戏不需要，所以这些方面都需要非常要克制。

《杀生》在那么危险的一个环境，全是在那个大山里头，那机器得上下翻飞，到处跑。而这次我就经常感觉我的机器不需要动，这个戏也很少有移动。因为就像他们三个人在演一个话剧，我们机器就是一个单独的一个机器，你只要看清楚他们的表情，然后听清楚他们讲话，已经足够了。

这戏唯一跳出来的几个段落，比如大桥上的那个段落。那个时候太需要表现那份情感了，我要表现两个好朋友的分开，要让观众有一丝不舍的感觉，所以那个环境是跳离开的，在一个非常远的一个位置看，我需要看到一个地平线，两个好朋友，有一个人走了，只有那个段落是最直接在传达情绪的。

摄影的距离感
其实，有的时候常常会因为一个景，忽略掉人物，但是这个电影呢，它必须要强调这个人物，他这三个人缺一不可。所以真实感上这件事怎么做到的呢，其实就是我也跟他们，一起在经历这段旅途。每一天，我在那个环境里，看到这几个人的存在，人和环境，是贴在一起的，我其实是跟他们保持着一个，一个正常的、最舒服的，观众距离，来看他们所有的表演。

距离感什么意思，就是在《杀生》的时候，我会跟演员保持非常近的距离，我需要观众在那个距离下去看，有贴近他们的生活那种感觉。这个戏呢他有他不一样的地方，两个人去旅行的这样的事情，第三个人的视角，他其实很不自然。就好像我们俩说话一样，离得很近你会不舒服，我也会不舒服。他一定要找到一个非常舒服的距离，去看这个整个过程，所以他的距离要比《杀生》要放得远，才是一个舒服的一个距离。我拍黄渤拍了6、7年了，他所有的角度我都非常了解，经常他的表演让我非常想靠近，但是我又需要整个电影整个风格统一，就像我们写文章一样，你需要保持一种语境，这一点是非常重要。

用摄影传达一种感受
《泰囧》其实在技术上没有什么太大的突破，从我开始说的方向要“真实感”，我这边要“节制”，所以没有过多的技术可以分享大家。《泰囧》的场景里基本上是实景，也是跟真实感有关，因为你在泰国，一帮中国人去搭景，你会跟环境不接地气的，所以实景多，基本上环境怎样，就是怎样，就好像让观众去泰国旅游了一下。我们去感受到的景，这些景反射给我的一些感受，我也想让大家同时看到，看到他的温度湿度，是不是热，是不是潮湿，然后就是这样子。就是我第一眼看到那个环境是一个什么刺激，我尽量把那种刺激带给观众。比如拜佛那场，我一进院墙吓一跳，哇这么长一串佛，所以我就想把这种感觉带给观众，所以我跟导演商量说开始我们拍摄的那个角度是看不到那个佛，直到我们知道王宝强需要一个一个拜过去的时候，“啊，那么长”。这就是第一感觉。


导演兼任演员，摄影如何配合 “导演的眼睛” “泰囧的第一个观众”
这其实是一特别幸福的事。可以说是《泰囧》的第一个观众，我每天在现场，我是第一个看到这个故事的人，同时你想作为一个摄影师，我就是一个导演的眼睛，然后我要替他看到整个这件事，徐峥和王宝强、黄渤，他们三个人非常聪明，三个非常好的演员，所以我在现场要做的事情，就是他们是不是让我快乐了，他们演得有没有意思，有没有打动我。

我经常跟导演说的就是，如果这个镜头没问题，它打动我了，我说导演这个非常好，我们可以拍下一个了，所以基本上是这样的，我其实是完全享受这件事情，因为我是第一个观众。

导演同时要兼顾的事情非常多，他要跟我商量调度，同时他要投入地去演戏，我有的时候我还会提醒他，有些镜头他会跟王宝强对手戏的时候，我发现你走神，我发现你在看他的戏，我也会提醒他。总之这个对导演来说太难了，而且有非常大的压力。

胶片与数字
现在我们其实是在一个转型的过程，在一个胶片时代到数字时代，非常巨大的变化的过程中，其实我自己也在找，到底用什么样的一个方式，怎么顺应技术变化这么快的一个时代，这可能需要更多的得学习。

每一个摄影师面临着无数的机器，而且更新的速度这么快。前些年胶片摄影机的时候，它型号没有那么快，即使它改变了摄影机，但胶片是没有变的。所以现在这个环境下对每个人来讲，其实都是挑战，同时对我也是。《泰囧》其实是我第一次使用数字摄影机拍摄的片子，所以我也一直在学新的机器，它们有什么样不同的特点，配上不一样的镜头它又会怎么样，需要做很多实验。

电影本身它的诞生它就是胶片，现在变成数字了以后，对于摄影师来讲，这一定是一个很伤感的事情。在纪录胶片，到你看到的时候，那个过程它是一个非常有神秘感的一个过程。现在没有了，现在我们都是所见即所得。所以在这个里面，你要做一些很个人情绪、个人风格的事情就变得很困难，其实每个人现在都在找方法，我到底能拿它跟别人拍得怎么不一样？

在技术上也是同样，你比如说胶片得时候，我们曝光，我们在现场看的那个监视器，只是一个分量的一个东西，它是一个光学棱镜分出来的一部分光，给监视器的一个影像，那个影像和实际出来的影像完全不一样，所以谁知道呢，只有摄影师知道。当出来的时候和我的想法一样的时候，我会很兴奋，因为那个过程它就是这样的一个创作过程，现在变的不一样了。之前我们在技术控制上，摄影师和摄影师之间是有技术高低的，现在等于零了，大家同样一个起跑线，没有技术了。


《泰囧》中对设备的考虑
《泰囧》是ALEXA为主。我们有两台ALEXA，一台EPIC，还有5台5D。
镜头是用的库克S系列镜头，是因为想让它清晰度更高一点，从12mm一直到135mm定焦。

《泰囧》当时是定好要用数字机来拍，我就在所有的数字摄影机里做一个衡量，我之所以选择ALEXA是因为它的记录方式出来的是log-C的文件，这个文件最接近胶片扫描出来的这个log-C，这会最接近我之前熟悉的流程的方向，我拿它的文件马上就能过DI了嘛。而且我当时也没有时间去调查其他的机器，当然也有几款机器我也比较好奇，也想尝试下，现在我都在做实验，包括RED的EPIC什么的这些机器之间的差距到底是怎样的，哪个方向是怎样，它可以做出什么不一样的东西。

你比如说拍撞车，在自由市场徐峥他们车撞过那个唐人街，因为我们的经费只能拍一天，所以我需要找到一天把这一场戏拍完的这一个方式，那我必须采用多机的方式。我需要在一条街藏很多的机器，那一天大概是8台，8个机位，所以这其中也用到了其他几台5DII。我需要那一个车撞过来的时候我需要拿到8组镜头，这样的话我那一天大概撞了5、6遍，因为每一撞我们还要起来恢复，店铺都稀里哗啦乱七八糟了。

关于摄影机之间的匹配
我觉得匹配最好的是EPIC和ALEXA，它们两个之间做DI的话他们两个比较好匹配，和5DII不是特别好匹配。我是在《杀生》当中尝试用5DII和胶片做匹配，因为我有些影像需要的角度特别特殊，包括给黄渤做的那个自拍架，我需要一个很轻型的机器围着他的身体转。

（这个自拍架在《泰囧》中也有使用，包括最近黄渤的微电影《2b青年的不醉人生》）

因为当时还没有一个数字电影摄影机可以做到这个，现在可以用ALEXA-M，当时没有嘛，所以我做了一个5D的实验，我觉得还是有差别，不是最满意，当然我希望他们的影像越接近越好。当然你用越多机器就越会遇到匹配的问题，你用一种机器都很难做影像连接，每天你遇到那么多环境，你又要让他看起来像一个电影而不是十个电影，所以你要做很多让他们统一的事情。

这次我有意带了一台EPIC，我是想看看它和ALEXA之间的匹配。我之前视频拍摄的时候也会考虑配合，用ARRICAM LT配一台ARRIFLEX 435，得有一台高速的机器。你有时候在现场拍的时候，你突然觉得这个镜头要高速，那你手上没有这样的机器，很麻烦。ALEXA本来就能升120fps了，然后我知道有些时候需要升到300fps的时候EPIC也可以，就比如最后徐峥和黄渤打斗的那段就是用了EPIC，其实也有实验的成分在里面。

现在目前ALEXA给我的感觉最像胶片，但是是不是最像就好？还是我们要找到另外一个方式要去突破数字的感觉？那我们在数字的这个时代为什么不把数感字提出来？为什么我们要学胶片？其实我在想这些问题。我现在非常想找到一款机器能发展它的数字感，我觉得这也是一个挺好的事。